In una brezza leggera. Conversation piece | Part X
Bianca Bondi, Enzo Cucchi con Andrea Anastasio, Francesco Arena, Marc Bauer, Elisabetta Benassi, Carlo Benvenuto, Domenico Mangano, Sidival Fila, Vanessa Garwood, Richard Mosse
A cura di Marcello Smarrelli
“Le opere d’arte hanno un’anima? Si parla oggi di un nuovo animismo – spiega Marcello Smarrelli – evidente in ambito artistico nell’attitudine ancestrale di considerare le opere non tanto come oggetti quanto come soggetti. Da questa domanda prende le mosse la mostra, partendo dalla simbologia del vento da sempre considerato metafora della vita e del manifestarsi del divino”.
La Fondazione Memmo presenta, dal 14 dicembre 2024 al 30 marzo 2025, In una brezza leggera, decimo capitolo di Conversation Piece, ciclo di mostre con cadenza annuale a cura di Marcello Smarrelli, nato con l’intento di restituire una panoramica degli artisti italiani e stranieri che scelgono Roma come luogo di residenza e di ricerca.
Un progetto curatoriale di grande successo che ha già visto la partecipazione di oltre cinquanta artisti tra i più interessanti della scena internazionale.
Per questa nuova edizione sono stati invitati: Bianca Bondi (1986, Sudafrica. Pensionnaire 2024-2025 presso Accademia di Francia a Roma – Villa Medici); Enzo Cucchi (1949, Italia) con un’opera collettiva realizzata insieme ad Andrea Anastasio, Francesco Arena, Marc Bauer, Elisabetta Benassi, Carlo Benvenuto, Domenico Mangano; Sidival Fila (1962, Brasile), Vanessa Garwood (1982, Regno Unito), Richard Mosse (1980, Irlanda. Philip Guston Rome Prize 2024-2025 presso American Academy in Rome).
Anche per il decimo capitolo, come di consueto, agli artisti è stato proposto un tema di carattere universale ma, al tempo stesso, legato alla città di Roma e alla sua storia millenaria.
In una brezza leggera prende le mosse da un elemento atmosferico caratteristico e identitario della Capitale: il Ponentino, un vento estivo e leggero che arriva dal mare, così popolare da essere cantato negli stornelli romaneschi, amato da autori come Fellini che lo voleva protagonista del suo film Roma, complice reale o immaginario di tante storie d’amore.
Tratto dal racconto biblico in cui il profeta Elia incontra Dio in una brezza leggera, il titolo fa riferimento alla creazione dell’uomo, plasmato nella polvere e animato da un alito divino, alla mitologia greca con la personificazione di Zèfiro, alla filosofia attraverso lo pneuma considerato origine di tutte le cose.
Una domanda aleggia potentemente su questa mostra: le opere d’arte hanno un’anima?
L’anima è un “soffio”, un ànemos, un vento leggero che sopravvive alla morte fisica del corpo. Le opere d’arte, allo stesso modo, sopravvivono al tempo, diventando la testimonianza di un processo spirituale e metafisico, di una koinè culturale trasmessa alle generazioni future.
Molti filosofi e antropologi contemporanei affermano che un nuovo animismo si sta facendo strada in Occidente, con un allargamento del concetto di anima oltre i confini della specie umana, fino a comprendere il non umano. L’arte è certamente la sfera in cui il fenomeno si manifesta con evidenza, nell’attitudine sempre più diffusa di considerare le opere non tanto come oggetti quanto come soggetti.
Attraverso un percorso di opere site-specific o esposte per la prima volta a Roma, la mostra usa la metafora del vento declinandola attraverso i più svariati aspetti: il soffio vitale, la presenza dello spirito negli esseri viventi e nelle cose, il manifestarsi dell’anima e del divino.
Scirocca, la scultura realizzata nel 2005 da Enzo Cucchi con Andrea Anastasio, Francesco Arena, Marc Bauer, Elisabetta Benassi, Carlo Benvenuto, Domenico Mangano, è il totem che introduce il visitatore in questo singolare percorso espositivo. Realizzata in marmi di diverso colore e altri materiali eterogenei, tra cui il fumo, l’opera deve il suo nome al vento caldo del borgo marinaro delle Marche dove è stata concepita. Un ibrido curioso, nato da un gioco proposto da Cucchi ad un gruppo di amici artisti, per realizzare un cadavre exquise scultoreo alla maniera di quelli disegnati dei surrealisti.
La pratica artistica di Bianca Bondi prevede l’attivazione o l’elevazione di oggetti banali attraverso l’uso di reazioni chimiche. I materiali con cui lavora sono scelti per il loro potenziale trasformativo o per le loro proprietà intrinseche, sottolineando l’interconnessione delle cose nel mondo, la loro transitorietà e rivelando i cicli della vita e della morte. Attraverso questo processo l’artista conferisce agli oggetti inanimati una rinnovata essenza vitale, influenzata da una forza invisibile che ne guida la trasformazione. Per la mostra ha realizzato Pneuma (2024), un’installazione ambientale site-specific composta da diversi contenitori in vetro, di altezze variabili, riempiti con liquidi salini saturi e sovrastati da bouquet di fiori selvatici artificiali e rami, insieme ad alcune corde decorate con prismi, parti di lampadari e frammenti di oggetti di epoca romana. Nel tempo di durata della mostra l’acqua, a causa del processo di risalita, cristallizzerà sulle corde diventando la rappresentazione immaginaria del respiro dei fiori sospesi nello spazio.
Frate minore francescano, Sidival Fila fonda la propria ricerca artistica sul riutilizzo di materiali dismessi, principalmente tessuti antichi quali lino, cotone, seta, canapa e broccato. Alla base di questa pratica risiede l’idea di liberare l’oggetto dalla sua condizione “materiale” per conferirgli una nuova potenzialità espressiva. Sottraendo funzionalità al tessuto, l’artista restituisce piena “voce” all’anima di materiali e oggetti, dando a ciascuna opera la possibilità di raccontare del suo passato fatto di secoli di storia e di memorie. In mostra sono presenti un nuovo nucleo di opere, tra cui spicca Metafora Giallo 35 (2024), un polittico di grandi dimensioni realizzato con 35 elementi, disposti ad angolo sulle due pareti perimetrali della sala, che compongono un’installazione liminare tra pittura e scultura, in cui superficie e spazio dialogano tra loro. Delle antiche travi in legno (1650 c.) rivestite di un damasco bianco risalente al XIX secolo, sono assemblate e cucite insieme a formare due strutture primarie sospese nello spazio, evocando elementi architettonici archetipici, come il trittico dalla forma di monofora goticheggiante, realizzato con seta moiré risalente al XVIII secolo. Infine, l’opera composta di velluto in seta bianca cucita a telaio appare come una riflessione sul lavoro manuale quale pratica meditativa che sublima la materia.
Prendendo spunto dal Ponentino come complice che spira sollecitando in modo invisibile le persone, Vanessa Garwood sperimenta per la prima volta un intervento di expanded painting. La sua pratica pittorica parte dall’osservazione di donne colte in momenti intimi o quotidiani. Il suo approccio è fortemente empatico nei confronti del soggetto di cui “cattura” l’essenza personale e intangibile, realizzando immagini sospese nel tempo, ma comunque attuali. L’installazione Give Me a Hand to Say Yes (2024) è composta da un olio su tela e da un intervento pittorico su muro, entrambi ispirati agli antichi rituali che vedevano protagonista la danza. I gruppi di figure femminili che si librano nell’aria, provenienti dalla Tomba delle Danzatrici (IV sec. a.C) rinvenuta a Ruvo (Bari), diventano portatrici di una moderna coscienza collettiva che si ricollega al passato. Immersi in questo spazio si ha la sensazione di essere sfiorati da un vento invisibile che invita ad unirsi al ritmo della danza entrando in relazione con l’energia vitale della luce e del colore
Nel suo lavoro Richard Mosse esamina la funzione delle tecnologie militari e industriali, anche dal punto di vista materiale, usando le sue riflessioni per produrre documentazioni fotografiche cariche di significato, allo scopo di decodificare i sistemi di potere invisibili all’interno delle immagini. In mostra una serie di opere realizzata ad est della Repubblica Democratica del Congo, tra il 2010 e il 2015, in cui Mosse ha impiegato la pellicola fotografica a raggi infrarossi Kodak Aerochrome, oggi fuori produzione, originariamente destinata al targeting delle tute mimetiche dei soldati.
La Kodak Aerochrome, progettata dall’esercito americano durante la Seconda Guerra Mondiale, ha trovato ampio uso anche nelle scienze della terra, in particolare nella mineralogia. Ogni centimetro di terra delle regioni orientali della Repubblica Democratica del Congo, ricco di risorse, è stato mappato con questa pellicola dalle multinazionali, per cercare minerali preziosi come il coltan, il cobalto, la cassiterite e altri metalli essenziali a mantenere e sviluppare le nuove tecnologie. Un’attività di estrattivismo che è stata fonte di aspri conflitti e instabilità politica nella regione, provocando lo sfollamento di milioni di persone e generando immense sofferenze umane.
La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione in uscita nella primavera del 2025.
“Do works of art have a soul?” Marcello Smarrelli poses this question and states that “Today there is talk of a new kind of animism, which is evident in the artistic field and which is connected to the ancestral attitude of considering artworks as subjects rather than as objects. The exhibition takes its cue from this reflection and considers the concept of the wind, which has always been considered as a metaphor for life and as a manifestation of the divine”.
From the 14th of December 2024 to the 30th of March 2025, Fondazione Memmo presents In a Light Breeze (In una brezza leggera), the tenth edition of Conversation Piece. This is a series of annual exhibitions curated by Marcello Smarrelli, which aim to provide an overview of Italian and foreign artists who have chosen the city of Rome as their elected place of residence and creative activity.
Over fifty of the most interesting artists on the international scene have already participated in this highly successful curatorial project.
For this new edition, the following artists have been invited: Bianca Bondi (b. 1986, South Africa), a 2024-2025 scholarship recipient at Accademia di Francia a Roma – Villa Medici; Enzo Cucchi (b. 1949, Italy), exhibiting a collective artwork created together with Andrea Anastasio, Francesco Arena, Marc Bauer, Elisabetta Benassi, Carlo Benvenuto and Domenico Mangano; Sidival Fila (b. 1962, Brazil), Vanessa Garwood (b. 1982, United Kingdom), Richard Mosse (b. 1980, Ireland), winner of the Philip Guston Rome Prize 2024-2025 at the American Academy in Rome.
For this tenth edition, as usual, the artists have been asked to address a theme with a universal resonance, but that is also closely associated with the city of Rome and its thousands of years of history.
The title of this year’s exhibition In a Light Breeze refers to a meteorological phenomenon that is typical of Italy’s capital city: the Ponentino, a light summer wind that blows from the sea to the west. The Ponentino is mentioned in several Roman folk songs (known as stornelli), in which it frequently features as an accomplice in love stories, as well as in the work of various authors and film directors such as Fellini, who imagined it as one of the protagonists of his film Roma.
The title may also be seen as referring to the gentle breeze or “still small voice” which precedes the biblical prophet Elijah’s encounter with God, or to the creation of man, formed from “the dust of the ground” and then animated by the divine breath. It may also be associated with Zephyr, the Greek god of the west wind and spring, as well as with the pneuma, considered as the origin of all things in Pre-Socratic philosophy.
A fascinating question therefore permeates this exhibition: can works of art be soulful?
The soul is a vital breath that the Greeks referred to as the ànemos, seeing it as a light wind that could survive the physical death of the body. In much the same way, works of art can outlive their makers for centuries, testifying to a spiritual and metaphysical process, while creating a common cultural language that is transmitted to future generations.
Many contemporary philosophers and anthropologists, who have studied totemic belief systems, affirm that a new kind of animism is now taking root in the West, expanding the concept of the soul beyond the confines of our human species to include the non-human realms of animals, plants, the earth and rocks. Art is certainly one sphere in which this phenomenon is clearly manifested, as there is an increasing tendency to consider artworks not so much as passive objects but as active subjects.
Through a succession of site-specific works, some of them exhibited in Rome for the first time, the exhibition employs the metaphor of air or wind, considering it in all of its most varied aspects. These may include the breath of life, the presence of a spirit in living beings and inanimate things, as well as the possible manifestations of the soul and the divine.
Scirocca (2005), the sculpture created by Enzo Cucchi (together with Andrea Anastasio, Francesco Arena, Marc Bauer, Elisabetta Benassi, Carlo Benvenuto and Domenico Mangano) is a kind of totem that introduces the visitor to this curious exhibition. Made of different coloured marble and heterogeneous materials, including smoke, the title Scirocca refers to the warm wind that blows in the seaside village in the Italian region of the Marches where the work was conceived. This curious hybrid work is the product of a game that Cucchi proposed to a group of artist friends, i.e. to make a sculptural cadavre exquise (exquisite corpse) in the manner of the collaborative drawings created by the surrealists.
The artistic practice of Bianca Bondi involves activating or elevating mundane objects through the use of
chemical reactions. She chooses the materials she works with for their transformative potential or
intrinsic properties, and she emphasises the interconnected and transitory nature of things in the world,
while revealing the eternal cycles of life and death. Through this process, the artist gives inanimate
objects a renewed vital essence, governed by an invisible force that guides their transformation. For the
exhibition, she has created Pneuma (2024), a site-specific environmental installation consisting of several
glass containers, which vary in height, filled with saturated saline liquids and surmounted by bouquets of
artificial wildflowers and branches. Descending from them into the vases and onto the floor there are
several strings, decorated with prisms, parts of chandeliers, and antique roman debris. Throughout the exhibition the water from the vases will travel upwards crystallizing the imaginary breath of the flowers suspended above them.
A Franciscan friar, Sidival Fila bases his artistic practice on the reuse of discarded materials, mainly ancient fabrics such as linen, cotton, silk, hemp and brocade. His approach is based on the idea of “freeing” the object from its material condition, in order to give it a new expressive potential. By divesting the fabric of its original function, the artist gives back a voice to the “soul” of materials and objects, so that each work has the opportunity to speak of its past, made up of centuries of history and memories. The exhibition features a new group of works, among which Metafora Giallo 35 (2024) is particularly prominent. This large-scale work made of 35 elements, arranged at an angle to form a sort of polyptych on two walls of the room, is an installation that inhabits the liminal zone between painting and sculpture, where two-dimensional surfaces and three-dimensional space enter into a dialogue with each other. In another creation, two antique wooden beams (dating to the mid-17th century) are covered by 19th century white damask cloth, sewn together and assembled to form two primary structures suspended in space. Sidival’s work sometimes evokes ancient architectural elements, notably the triptych in the shape of a Gothic-style single-lancet window, made with 18th century moiré silk. Finally, a creation of white silk velvet sewn onto a weaving frame is a reflection upon manual labour as a meditative practice that sublimates the material.
Taking inspiration from the wind known as the Ponentino, which she sees as an accomplice that inspires and invisibly solicits people, Vanessa Garwood has now experimented for the first time with a work of expanded painting. Her pictorial practice is based on the observation of women in their most intimate or everyday moments. Her approach reveals a deep empathy for her subjects, captured in their personal and intangible essence, so as to create images that are contemporary and yet suspended in time. Her installation consists of an oil painting on canvas displayed within a painted space, and both of these pictorial interventions draw their inspiration from ancient rituals centred on dance. The groups of female figures hovering in the air, inspired by the 4th century BC “Tomb of the Dancers” at Ruvo di Puglia (near Bari), embody a kind of modern collective consciousness that connects us to the past. Immersed within this space, we have the sensation of being touched by an invisible wind that invites us to join the rhythm of the dance and to enter into a relationship with the vibrant energy of light and colour.
In his work, Richard Mosse examines the materiality and function of military and industrial technologies, using them reflexively to produce loaded documentary forms in an attempt to encode invisible systems of power within the pictorial image. In his series made in eastern Democratic Republic of Congo from 2010-2015, Mosse exclusively employed a discontinued infrared photographic film named Kodak Aerochrome which was originally intended for camouflage detection. This film, designed in collaboration with the US military in WWII, also found extensive use in the land sciences, especially mineralogy. Every inch of these mineral rich regions of eastern DRC have been mapped with Aerochrome by multinational mining companies searching for valuable rare earths such as coltan, cobalt, cassiterite, and other metals essential to modern technologies, which are also the source of bitter conflict and instability in the region, displacing millions of people and creating immense human suffering.
The exhibition will be accompanied by a publication, due to be released in spring 2025.
Fondazione Memmo
Via Fontanella Borghese 56/b, Roma
+39 0668136598, info@fondazionememmo.it, www.fondazionememmo.it
Orari: tutti i giorni dalle 11.00 alle 18.00 (martedì chiuso)
Ingresso libero
Cover: Vanessa Garwood, Give Me a Hand to Say Yes, 2024, installazione site-specific carboncino su muro e tela dimensioni ambientali. Tela: Jawbones on their tombstones, 2024, olio su tela, cm 250 x 150. Courtesy l’artista. Ph. Daniele Molajoli
