Sean Shanahan. Cuore a fette
A cura di Luca Massimo Barbero
“…poiché tutto ciò che sale converge”
Pierre Teilhard de Chardin
Dal 9 febbraio al 25 marzo 2023 BUILDING presenta Sean Shanahan. Cuore a fette a cura di Luca Massimo Barbero, una mostra tematica completamente frontale[1] che nasce da una riflessione personale e intima dell’artista sul tema della morte e dell’eternità.
Il percorso espositivo, che si sviluppa su tre piani della galleria, è composto da una selezione di dipinti autonomi inseriti in un contesto site-specific caratterizzato da una forte teatralità. L’imprevisto, l’attesa e la sorpresa sono gli elementi chiave del progetto, che propone tre diverse letture del rapporto tra il quadro, lo spazio espositivo e lo spazio reale. Sfondando metaforicamente e concretamente i confini imposti dagli elementi strutturali della galleria, le opere di Sean Shanahan, derivati della pittura monocroma, abitano fisicamente lo spazio tridimensionale di BUILDING in un allestimento che si pone al limite con l’installazione.
L’utilizzo del supporto in MDF (medium density fireboard), cifra stilistica dell’artista, contribuisce in modo essenziale a esaltare l’ambigua oggettualità dell’opera, suggerendo una percezione del dipinto come elemento concreto che necessita di farsi spazio e non solo di occuparlo. Anche il colore a olio, steso a campiture monocrome piatte e assorbito dal materiale ligneo, assume un carattere sostanziale in questo processo, divenendo parte integrante del quadro e non mero rivestimento della superficie.
La mostra ideata per BUILDING è scandita in tre momenti strettamente interconnessi tra loro e consiste in un susseguirsi di situazioni inaspettate, in cui l’ambiente viene plasmato e modellato dall’artista per permettere al fruitore di percepire le sue opere da prospettive inedite e differenti.
Al piano terra le opere interagiscono con lo spazio espositivo grazie a un uso drammatico e concettuale del colore. Dalla compenetrazione reciproca tra opere e parete ha origine una “danza macabra”, che dà il nome ai cinque grandi dipinti che scandiscono con regolarità l’ambiente espositivo. Il fulcro visivo è localizzato nel foro centrale, che contraddistingue tutte le opere in mostra e che con la sua presenza-assenza diventa il vero e proprio filo conduttore dell’esposizione. Questo buco squadrato, la cui visibilità è accentuata dai bordi bisellati lasciati volutamente intonsi, diventa il focus su cui siamo invitati a concentrarci, prima di poter estendere lo sguardo al dipinto nella sua interezza e al contesto immersivo di cui è parte integrante.
Il percorso espositivo prosegue al primo piano che prende il nome di “Hysterical Aftermath”. Nel contesto tradizionale del “white cube” è il quadro-oggetto a imporsi, instaurando una relazione dinamica con la parete bianca e l’ambiente circostante. Tre opere di grandi dimensioni, intitolate Flounder (2022), Float (2022) e Flight (2022), si stagliano nello spazio espositivo, rifuggendo la bidimensionalità tipica del medium pittorico e rimarcando piuttosto la loro presenza materica e tangibile. Le inaspettate tonalità dei colori a olio assorbiti dal supporto in MDF, lavorato dall’artista per essere parte strutturale attivamente visibile, si irradiano nello spazio candido del primo piano sottolineando la loro profondità e la loro sostanza.
Il terzo e ultimo momento della mostra è liberamente ispirato alla locuzione latina “sub specie aeternitatis” e suggerisce un richiamo diretto al concetto di incommensurabile e di eterno. Al secondo piano è lo spazio reale a prevalere sul quadro e a dettare il posizionamento delle opere stesse. Il dipinto-oggetto si configura a tutti gli effetti come una “finestra sul cortile”, affacciata sul mondo esterno. Allo sguardo è permesso oltrepassare il dipinto attraverso il foro squadrato, sfondando i confini del supporto e della galleria, per indagare lo spazio reale senza alcuna limitazione ed estendere il proprio raggio assaporando un assaggio di infinito.
La mostra sarà completata da un catalogo, edito da BUILDING, nel quale sarà possibile ripercorrere idealmente gli spazi di BUILDING attraverso una ricca documentazione fotografica delle opere in mostra. La pubblicazione sarà ulteriormente arricchita da interessanti approfondimenti e autorevoli contributi teorici, tra cui testi di Luca Massimo Barbero, Federico Ferrari, Giuseppina Panza di Biumo e Alberto Zanchetta.
Sean Shanahan nasce a Dublino nel 1960 e si forma presso l’Heatherley School of Fine Art a Chelsea, Londra e il Croydon College of Art and Design, dove compie studi di pittura e storia dell’arte. A 22 anni si sposta a Milano, dove tiene la sua prima personale nella galleria di Luigi De Ambrogi. Nel 1986 vince una borsa di studio alla Fundación Olivar de Castillejo di Madrid e tra il 1986 e il 1990 vive e lavora tra Colonia e New York. La sua elaborazione creativa respinge qualsiasi tipo di narrazione: forma e colore sono i mezzi della pittura e il suo unico interesse. Fin dagli esordi della sua ricerca si volge verso la natura morta indagandone la capacità di cogliere l’istante non dinamico del fluire, il momento di stasi che fissa azioni, gesti, emozioni. Questa propensione viene tradotta in una profonda riflessione sul colore e un intervento su superfici in legno duro. Nel 1990 Shanahan si trasferisce in Italia e poco dopo compie la scelta cruciale di abbandonare l’acrilico, in favore dell’olio, che permette una stesura più fluida e trasparente e che consente una percezione immediata della resa finale. Nel 1994, in mostra alla Orchard Gallery di Derry, presenta Untitled, un olio su MDF, in cui pentimenti e rimaneggiamenti del colore sono ancora visibili e argomentano il processo pittorico dell’artista. Quest’opera segna il superamento dell’evidenza di tale processo sulla superficie; nelle opere successive le campiture verticali e orizzontali in più colori vengono gradualmente sostituite dalla pittura monocroma, che diviene per Shanahan una scelta definitiva, come quella di adottare I’MDF come supporto, un materiale industriale che assorbe il colore e che viene lavorato con bisellature lungo i margini, enfatizzando la corporeità dei dipinti. Nel 1997 si trasferisce a Montevecchia dove allestisce il suo studio e si dedica all’uso di un solo colore, steso in modo omogeneo e uniforme, e a costruzioni formali semplici definite da una rastrematura che ne restituisce tridimensionalità. La direzione intrapresa da Shanahan in questi anni incontra l’interesse di Giuseppe Panza di Biumo, che dal 2000 inizia a collezionare in maniera sistematica i suoi lavori. Tra il 2010 e il 2016 partecipa a importanti collettive con la Panza Collection: nel 2010 State of Mind. Minimal Art al Lucca Center of Contemporary Art, e nel 2015 La percezione del Futuro. La collezione Panza a Perugia alla Galleria Nazionale dell’Umbria. Tra le numerose partecipazioni a mostre personali e collettive si ricordano inoltre Sudden Time (2021) a Villa Panza, Varese, Singular Episodic (2020) presso il Museo d’Arte Contemporanea di Lissone, Body of Light (2018) presso Luca Tommasi Arte Contemporanea a Milano, Seven Last Words (2016) presso la Galleria San Fedele a Milano, Unique Act (2008) presso The Hugh Lane a Dublino.
[1] Richiamando il concetto di full frontal, ovvero il nudo totale in ambito cinematografico, l’artista ha concepito una mostra che definisce “completamente frontale”, pensata per essere fruita frontalmente, malgrado la tridimensionalità del supporto ligneo su cui è steso il colore, e insieme per richiamare l’idea di una pittura messa a nudo, spogliata dall’eccesso e ricondotta alla sua forma più pura.
“… for everything that rises converges”
Pierre Teilhard de Chardin
From February 9th to March 25th, 2023 BUILDING presents Sean Shanahan. Cuore a fette, curated by Luca Massimo Barbero, a full-frontal[1] thematic exhibition that springs from the artist’s personal reflections on death and eternity.
Spanning three floors of the gallery, it presents a series of autonomous paintings in a very theatrical, site-specific context. The show plays with expectations, surprises and the unforeseen, offering three different interpretations of the relationship between painting, exhibition space and real-world space. Metaphorically and physically breaking through the boundaries imposed by the structural elements of the gallery, Sean Shanahan’s works, which draw on monochrome painting, inhabit BUILDING’s three-dimensional space in an arrangement that could almost be likened to an installation.
The use of MDF (medium density fireboard), a signature element of the artist’s practice, highlights the ambiguity of the work as object, hinting that we view the paintings as concrete entities that need to create space for themselves, rather than merely occupying it. The oil paint, applied in flat, monochrome layers and absorbed by the wood-based material, is another key part of this process, an integral part of the painting rather than just a surface coating.
The exhibition designed for BUILDING is divided into three closely connected sections and presents a succession of unexpected situations, in which the environment is shaped and molded by the artist to allow the viewer to perceive his works from novel, different perspectives.
On the ground floor, the works interact with the exhibition space through their dramatic, conceptual use of color. The relationship they forge with the walls gives rise to a “danse macabre” that lends its name to the five large paintings that evenly mark out the space. The visual focal point is the central aperture that characterizes all the works on display: its presence/absence is the leitmotiv of the show. This square opening, accentuated by bevelled borders which are deliberately left blank, is the epicenter we are invited to focus on, before we can extend our gaze to the painting as a whole, and the immersive context it is an integral part of.
The exhibition continues on the first floor, which is titled Hysterical Aftermath. In a traditional “white cube” setting, the picture/object imposes its presence, establishing a dynamic rapport with the white wall and surrounding setting. Three large works entitled Flounder (2022), Float (2022) and Flight (2022), stand out in the space, rejecting the typical two-dimensionality of paintings and highlighting their tangible, material presence. The unexpected shades of the oil paint absorbed by the support in MDF, treated by the artist as a structural, visually active part of the work, radiate into the white space of the first floor, highlighting their depth and substance.
The third and last section of the exhibition, on the second floor of the venue, is freely inspired by the Latin phrase “sub specie aeternitatis”, directly referencing the concept of the incommensurable and eternal. Here it is the space that prevails over the paintings and dictates the positioning of the works. The painting/object comes across to all intents and purposes as a “window on the world”, and our gaze is allowed to pass through the painting, thanks to the square hole, breaking down the boundaries between medium and gallery to explore the real space without limitations and extend its scope, giving us a taste of the infinite.
The exhibition is accompanied by a catalogue published by BUILDING which offers a virtual tour of the show, richly illustrated with photographic documentation of the works. The publication also includes original insights and accomplished theoretical writings, including texts by Luca Massimo Barbero, Federico Ferrari, Giuseppina Panza di Biumo and Alberto Zanchetta.
Sean Shanahan was born in Dublin in 1960 and trained at The Heatherley School of Fine Art in Chelsea, London and Croydon College of Art and Design, where he studied painting and art history. At the age of 22 he came to Milan, where he held his first solo exhibition at Luigi De Ambrogi’s gallery. In 1986 he won a scholarship to attend the Fundación Olivar de Castillejo in Madrid, and from 1986 to 1990 he lived and worked between Cologne and New York. His practice rejects any kind of narrative: form and color are his medium and only focus. Since the beginning of his career he has focused on still life, exploring its ability to capture non-dynamic instants of the flow of time, the moment of stasis that freezes actions, gestures and emotions. He has translated this into a profound exploration of color, working with hardwood surfaces. In 1990 Shanahan moved to Italy and shortly after that he came to the crucial decision to abandon acrylics in favor of oil, which can be applied in more fluid, transparent layers and enables an immediate perception of the final effect. In 1994, in an exhibition at Orchard Gallery in Derry, he presented Untitled, oil on MDF, which shows pentimenti and reworkings of color that bear testament to the creative process. This was the last creation in which shows this process was evident on the surface; in the pieces that followed, the vertical and horizontal areas in multiple hues were gradually replaced by monochrome painting, a definitive move for Shanahan, along with that of adopting MDF as a support, an industrial material that absorbs color, finished with bevelled edges to accentuate the physical presence of the paintings. In 1997, he moved to Montevecchia, where he set up his studio and began working with single colors, spread evenly and uniformly, and simple formal constructions defined by tapered shapes that highlight their three-dimensionality. The direction he took in that period captured the attention of Giuseppe Panza di Biumo, who began collecting his work systematically from 2000 onwards. Between 2010 and 2016 Shanahan took part in major group shows with the Panza Collection: in 2010 State of Mind. Minimal Art at the Lucca Center of Contemporary Art, and in 2015 La percezione del futuro. La collezione Panza a Perugia at the National Gallery of Umbria. He has taken part in numerous solo and group exhibitions, which include Sudden Time (2021) in Villa Panza, Varese, Singular Episodic (2020) at the Museo d’Arte Contemporanea in Lissone, Body of Light (2018) at Luca Tommasi Arte Contemporanea in Milan, Seven Last Words (2016) at Galleria San Fedele in Milan, and Unique Act (2008) at The Hugh Lane in Dublin.
[1] Recalling the concept of full frontal, or total nudity in the cinematographic field, the artist has conceived an exhibition that he defines as “completely frontal”, designed to be viewed frontally, despite the three-dimensionality of the wooden support on which the color is spread, and at the same time to recall the idea of a painting stripped bare, without excess and brought back to its purest form.
BUILDING
Via Monte di Pietà 23, Milano
+39 02 890 94995, info@building-gallery.com, www.building-gallery.com
Orari: martedì – sabato 10 – 19
Ingresso gratuito
Ufficio stampa: ddlArts
Copertina: Sean Shanahan. Cuore a fette, BUILDING, Milano, Installation view. Ph. Luca Casonato
